Acá les traigo la primera parte de una compilación de lo mejor del ROck, claro que para mi gusto. Todos los días voy a ir agregando algún nuevo tema hasta que quede completo.


En fin... la idea es que si se toman el tiempo de escuchar algún tema, tienen que comprometerse a escucharlo por completo, nada de andar cortando!. Estos temas no se lo merecen.

Si se copan y quieren sumarse con sus comentarios y sugerir mas temas del ROck Subtitulados, copien y peguen el link del video de youtube en el comentario y automáticamente lo agrega al post, y no se olviden de cargar también la información del tema si es que se consigue.

Saludos & Disfruten.




"Comfortably Numb" ("Cómodamente adormecido"), es la sexta canción del segundo disco de la ópera rock The Wall ("El muro") del grupo Pink Floyd. Canción cuya música fue creada por Gilmour para su primer álbum como solista. Gilmour trajo el demo a las grabaciones de The Wall, que posteriormente quedaría incluida en el álbum. Waters escribió la letra y algunos arreglos dándole su estructura característica, fácilmente diferenciable del demo original.

Esta canción es considerada como una de las mejores creaciones que la banda inglesa ha realizado, ya que es recurrentemente incluida en las presentaciones que han hecho tanto Pink Floyd, como por David Gilmour y Roger Waters después del lanzamiento de The Wall. También fue el tema de cierre en la última presentación que hizo el cuarteto en su reunión en uno de los conciertos de "Live 8", lo que fue un evento mundial de enfoque de ayuda, organizado por el protagonista de la película Pink Floyd The Wall, Bob Geldof. El solo de guitarra que toca David Gilmour está considerado como su mejor solo en Pink Floyd y como uno de los mejores solos de guitarra de toda la historia; de hecho, la revista Guitar World lo situó en el número 4 de su lista de 100 mejores solos de la historia.


Parte 1:

Parte2:

"Echoes" es una canción de Pink Floyd, que incluye largos pasajes instrumentales, efectos de sonido e improvisaciones. Escrita por los cuatro miembros de la banda (Roger Waters, Richard Wright, David Gilmour y Nick Mason), "Echoes" pone un extenso final al álbum Meddle. El tema dura 23 minutos y medio y ocupa todo el lado B del disco de vinilo original. Está ampliamente considerada como una de las composiciones más ambiciosas y musicalmente variadas de la banda.

Aparece también en una versión reducida como el quinto tema de la recopilación que tomó su mismo nombre, Echoes: The Best of Pink Floyd. "Echoes" es la tercera canción más larga de Pink Floyd, después de "Atom Heart Mother" (23:44) y los segmentos combinados de "Shine on You Crazy Diamond" (26:11). A diferencia de aquéllas, no está explícitamente dividida en partes; sin embargo la composición fue originalmente creada a partir de fragmentos separados y posteriormente dividida en dos partes para servir como apertura y cierre del filme Live at Pompeii.

La canción comienza con un único sonido, un distintivo "ping" tocado por Wright al piano, resultado de un experimento realizado en los comienzos de las sesiones de Meddle amplificando el segundo Si más alto del teclado y enviando la señal a través de un parlante Leslie. El resultado es un agudo aunque fluido sonido que evoca de alguna forma a un sonar.

Wright continúa con una improvisación de piano, principalmente en el registro alto (aún a través del Leslie), que gradualmente articula el Do# menor típico del tema. Gilmour entra luego con un suave y moderado solo de guitarra, utilizando expresivas combinaciones de cuerdas. Conforme la introducción avanza entran el bajo seguido por la batería y, a continuación, el órgano Hammond.

La letra inicial, interpretada en armonía por Gilmour y Wright, llevan al auditor a un ambiente subacuático donde 'todo es verde y submarino'. Cada verso sigue el patrón de tres estrofas, con las primeras dos siguiendo una secuencia.

Después del segundo verso sigue un solo de guitarra que incorpora muchas de las combinaciones características de Gilmour, incluyendo el uso de múltiples guitarras superpuestas. Finalmente esta sección da lugar a la primera sección de la canción, cuando los solos y riffs de fondo son reemplazados por un ritmo casi funk con bajo y percusión llanos.

Otro solo de guitarra comienza en seguida, haciendo uso de distorsión, feedback, wah-wahs y trémolos, lo que simula el uso de una slide guitar. Wright toca breves fraseos en su órgano Hammond, elevando lentamente la intensidad. Estos rellenos de órgano, junto con el ritmo de bajo y batería, comienzan a tomar protagonismo a la vez que la guitarra se hace cada vez más distante y entra el sonido de viento como al principio del álbum.


Escrita en 1969. Los propios componentes del grupo dicen haberse inspirado por un riff de la canción "Bombay Calling" de una banda coetánea, It's a Beautiful Day. Este riff era tocado por violines y con un tempo mucho más rápido.

Esta canción es una de las primeras canciones de heavy metal y además su introducción presenta una serie de sonidos de carácter progresivo. Una versión famosa de esta canción es la versión en directo de Made in Japan, de 1972, cuya duración es aun mayor que la original de estudio.


"All My Love" es una canción de la banda de rock Inglés Led Zeppelin de su último álbum de estudio, In Through the Out Door, lanzado en 1979, Escrita por Robert Plant y John Paul Jones, es una canción suave con un ritmo lento de rock, con un solo de sintetizador realizado por Jones y la letra de Plant. John Bonham estaba trabajando en la parte rítmica de All My Love y estaba complicado porque no lograba hacer que sonara fluída; él quería que sonara natural y espontánea, como que el ritmo se balanceara acompañando la voz de Robert Plant, entonces Steve Lukather1 -guitarrista de Toto- le dijo “hey John, ¿por qué no le pides a Jeffrey -Jeff Porcaro- que te eche una mano?, él es muy bueno para capturar la esencia de las canciones” y él me dijo “en serio, ¿y tu crees que quiera ayudarme?” “¡Por supuesto!” le dijo Lukather y así John y Jeffrey se juntaron a trabajar la parte rítmica de “All of my love”, el último gran clásico de Led Zeppelin y mucho de lo que se escucha en esa canción tiene el sello de Jeff Porcaro, baterista de Toto.

Plant escribió la canción como un homenaje a su hijo, Karac, quien murió a causa de una infección estomacal en 1977 a la edad de cinco años. El hizo todas la voces en una sola toma, y los cambios claves de la canción en el último estribillo.


Signe Anderson dio a luz a su hija en mayo de 1966, y en octubre anunció su partida. Su último concierto con Jefferson Airplane tuvo lugar en el Fillmore el 15 de octubre de 1966. La noche siguiente, su reemplazante Grace Slick hizo su primera aparición. Slick, ex modelo, ya conocía a la banda -había asistido al concierto debut de la banda en el club Matrix en 1965 y su anterior grupo, The Great Society, solía hacer de banda soporte a menudo.

Slick resultó ser fundamental para el avance comercial de la banda. Con una poderosa voz de contralto, Slick supo adaptarse perfectamente al amplificado sonido eléctrico de la banda. También, como ex modelo, su presencia en el escenario causaba un mayor impacto del grupo en vivo.

The Great Society grabó una temprana versión de "Somebody To Love" (con el título de "Someone To Love") como el lado B de su único single, "Free Advice"; que fue producido por Sylvester Stewart (que poco tiempo después iba a convertirse en Sly Stone), pero al parecer se necesitarían más de 50 tomas para lograr una versión satisfactoria. The Great Society decidió disolverse a finales de 1966 y dieron su último concierto el 11 de septiembre. Poco después, Slick fue consultada por Jack Casady (quién fue una gran influencia en la toma de su decisión) si quería unirse a Jefferson Airplane, y su contrato fue comprado por 750 dólares.


Debido a que el guitarrista Ritchie Blackmore no le gustaba el tema, la banda nunca tocó la canción en vivo durante su estancia con la banda, con la excepción de una ocasión, el 6 de abril de 1972 en Quebec, Canadá, cuando Blackmore estaba enfermo. Ian Gillan interpretó la canción en vivo con Ian Gillan Band en los años 70 y 80.

Cuando Joe Satriani sustituye Blackmore durante The Battle Rages, en gira el noviembre de 1993, "When a Blind Man Cries" se unió a la lista de canciones el 5 de diciembre del mismo año. A partir de ese momento, el tema se ha convertido de primera necesidad en las presentaciones de la banda, y ha aparecido en la mayoría de los álbumes en vivo de la banda.


"Miss You" es un tema que se gestó en plena efervescencia de la música disco y que tomó varias elementos de ésta y fue mezclado con el rock tradicional de la banda, compuesto por Mick Jagger y Keith Richards para su banda, The Rolling Stones, editado como sencillo e incluido en el álbum Some Girls de 1978.

"Miss You" fue escrita por Mick Jagger en marzo de 1977 durante unos ensayos con Billy Preston previos a los conciertos en el club El Mocambo y fue inspirado en la música disco (grabados para su álbum en vivo Love You Live).

"Miss You" fue uno de los últimos sencillos importantes de los Stones, convirtiéndose en su octavo número uno en los Estados Unidos y alcanzando el tercer puesto en las listas británicas. En 2004, la revista Rolling Stone la colocó en el puesto 496 en su lista de 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos.


La letra describe a Ziggy Stardust, el personaje que Bowie encarna en el álbum, enviando un mensaje de esperanza a la juventud de la Tierra a través de la radio. Con anterioridad, en la primera canción del disco, «Five Years», se había anunciado la destrucción del planeta en cinco años. Ahora, la salvación se presenta de la mano de un extraterrestre al que se alude como «Starman». La historia se cuenta desde el punto de vista de uno de los chicos que escuchan a Ziggy. De acuerdo con las declaraciones de Bowie en una charla con William S. Burroughs para Rolling Stone en el año 1973, Ziggy Stardust no es el extraterrestre, sino su mensajero en la Tierra.

La música cuenta con la guitarra acústica y los arreglos de cuerda de Mick Ronson y posee un estilo similar al del álbum anterior de Bowie, Hunky Dory (1971). Los coros están ligeramente basados en los de la canción de Judy Garland «Somewhere Over the Rainbow», en la película El mago de Oz. Entre otras influencias que se mencionan para la pieza figuran las canciones de T. Rex «Telegram Sam» y «Hot Love» (en las referencias al boogie y en los coros), así como «You Keep Me Hangin' On» de The Supremes (en la guitarra y el piano).

Desde un punto de vista comercial, «Starman» marcó un hito en la carrera de Bowie. Supuso su primer sencillo de éxito desde «Space Oddity», publicado tres años antes. Los críticos de New Musical Express Roy Carr y Charles Shaar Murray señalaron que «mucha gente pensaba que era su primera grabación desde "Space Oddity" y creían que era una secuela del sencillo anterior».

El disco se vendió en un principio a un ritmo constante, no espectacular, pero recibió muchas críticas positivas. Por ejemplo, John Peel se refirió a él como «un clásico, una joya». La tendencia cambió después de que Bowie actuase junto a The Spiders from Mars en el programa de la BBC Top of the Pops en julio de 1972 (aunque con frecuencia se menciona esta actuación como la primera en directo de la canción en la televisión británica, en realidad se interpretó por primera vez en el programa Lift Off With Ayshea de la ITV). De acuerdo con el autor David Buckley muchos seguidores de Bowie consideran que este fue el momento en el que se rindieron ante el artista. Tras ella, el álbum consiguió pasar de la 10ª a la 5ª posición en las listas de éxito británicas. En los Estados Unidos, figuró en el puesto 65.

En el año 1999, la revista musical británica Q incluyó a «Starman» dentro de una lista de los mejores cien sencillos de todos los tiempos, realizada con los votos de sus lectores.


La canción se compone de una estructura de tres partes que gira alrededor de los temas del escape y de la liberación. La canción cuenta la historia de una banda que es confinada a la cárcel y luego huyen.

La primera parte (0:00 - 1:18) es suave y melódica. El cantante se queja de estar atrapado en una habitación siempre solo, incapaz de ver un pueblo bonito, como su madre.

La segunda parte (1:19 - 2:05) es más de una melodía de rock suave con la guitarra, batería y el bajo cada vez más prominentes. El cantante piensa dar todo de inmediato si lo hace escapar.

George Harrison contribuyó involuntariamente en la primera línea de esta parte:

En la tercera y principal parte (2:05-5:09) es la parte inicial de rock, que habla de la banda en fuga. La gente de la ciudad están tratando de encontrarlos para siempre, pero nunca serán encontrados.

La versión que sonaba en la radio de Estados Unidos en 1974 fue una versión más corta de la canción, editada por debajo de los originales 5:09 a 3:50 de duración. La diferencia fue causada en gran parte por la eliminación de la mitad de la segunda parte de la canción, así como el verso que comienza con:


"Light My Fire" es una canción de la banda norteamericana The Doors, de su álbum de debut, grabado en septiembre de 1966, y lanzado en enero de 1967. Alcanzó el número uno en la lista Billboard de Singles pop en 1967, y luego fue re-lanzado en 1968, alcanzando el número 87. La canción fue escrita por Robby Krieger (música/letra), aunque usualmente los créditos son dados a "The Doors". El tecladista Ray Manzarek añadió el intro. La canción representa una pareja "llegando alto" (getting high), un término callejero para la sensación eufórica de la gente cuando se droga.

Las versiones que destacan son las de Astrud Gilberto, Will Young (cuya versión alcanzó el número uno en el Reino Unido), Amii Stewart (número 6 en el Reino Unido en 1979, y número 8 en el remix de 1985) , José Feliciano (Grammy en 1969 por la mejor canción pop del año), Nancy Sinatra, Julie Driscoll & the Brian Auger Trinity, Shirley Bassey, Cibo Matto, Divididos, UB40, Massive Attack, Amorphis, hide, Minnie Riperton, Stevie Wonder, Al Green, Ananda Shankar yTrain (aparece en el compilado Stoned Immaculate: The Music of The Doors).

"Light My Fire" es un buen ejemplo de la musica country, con un principio de jazz fusión, con largos y, aparentemente, improvisados solos (por esto la canción fue acortada de siete a tres minutos para su versión de la radio), y ciertas influencias del Este. Su progresión armónica y ritmo pegajoso (particularmente la introducción de Ray Manzarek) lo hicieron que vendiera rápidamente en los mercados pop.

Se destaca particularmente una aparición de The Doors en The Ed Sullivan Show. Se les pidió que cambiaran ciertas partes de la letra, específicamente la línea "nena, no podríamos habernos colocado más" a "nena, no podríamos haberlo hecho mejor" ("girl, we couldn't get much higher" a "girl, we couldn't get much better"), para hacerlo más adecuado para una audiencia "de costa a costa". La banda prometió hacerlo, pero según Jim Morrison, olvidó cambiar la letra en el último momento, y cantó la versión original. Él atribuye este hecho a que estaba muy nervioso. Sin importar los aplausos del público, Ed Sulivan estaba tan molesto que se negó a estrechar la mano de Morrison cuando bajó del escenario, y la banda quedó vetada de aparecer de nuevo en el show. Morrison comentó:

Otra anécdota con esta canción fue cuando la compañía de autos Buick quería usar la canción en un comercial de TV con la letra "Come on, Buick, light my fire" y le ofreció al grupo alrededor de US$100.000. Densmore, Manzarek y Krieger aceptaron mientras Jim Morrison estaba fuera de la ciudad, pero cuando volvió y se dio cuenta de esto, rompió el trato de inmediato.

Esta canción estuvo número 35 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.


"Lazy" es una canción del grupo británico de hard rock Deep Purple de su álbum de 1972 de Machine Head. Una presentación en vivo de la canción se puede encontrar en el álbum Made in Japan, publicado ese mismo año.

La canción comienza como un instrumental, el tecladista Jon Lord junto a un saturado intro de órgano por Hammond, seguido por el riff principal y con el solo intercambio entre él y el guitarrista Ritchie Blackmore. El vocalista Ian Gillan llega con las voces más adelante en la canción. También utiliza la armónica, tanto en la versión de estudio y en vivo. En más de 7 minutos de duración, es la pista más larga en el álbum y versiones en vivo se extendieron a menudo últimos 10 minutos.

La versión en vivo en Hecho en Japón cuenta con un tema de "Rapsodia sueca # 1" Hugo Alfvén, interpretado por Ritchie Blackmore, como parte de su solo. Ritchie Blackmore a veces incluyen el riff principal de "Lazy" en actuaciones en vivo de la canción "Man on the Silver Mountain" de Rainbow. Gillan se define la canción como el rhythm and blues.

Más tarde, actuaciones en directo después de la reunión de la banda en 1984 tiende a ser mucho más cortos, eliminando la introducción y uno de los versos. Sin embargo, las actuaciones más recientes con Steve Morse han vuelto a la disposición original.


"Shine on You Crazy Diamond" es una composición épica de nueve partes de Pink Floyd cuyas letras fueron escritas por Roger Waters, como tributo al miembro fundador de la banda Syd Barrett, y música compuesta por Waters, Richard Wright, y David Gilmour.

Fue tocada por primera vez en el tour de 1974, y grabada para el álbum conceptual de 1975 Wish You Were Here. La canción fue hecha con la intención de que durara todo un lado del disco como "Atom Heart Mother" y "Echoes", pero resulto más larga de lo que un solo lado del vinilo permitiría, por lo que fue separada en dos partes al principio y al final del álbum. El nombre de la canción hace referencia a Syd Barrett: Shine on You crazy Diamond.

Sucedieron dos cosas muy extrañas durante la grabación del álbum Wish You Were Here, ambas involucrando a la canción "Shine on You Crazy Diamond". Según David Gilmour y Nick Mason de Pink Floyd, en el episodio Wish You Were Here de In the Studio with Redbeard, la banda grabó una toma satisfactoria, pero gracias a una nueva consola instalada en Abbey Road (estudios), un eco excesivo de los otros instrumentos sobre la batería hicieron que la banda lo re-grabara.

Nick Mason dijo:

En el otro incidente, un hombre fornido y con la cabeza y las cejas completamente afeitadas, vistiendo una chaqueta blanca, zapatos blancos y llevando consigo una bolsa de plástico en las manos entró al estudio mientras la banda grababa "[n]Shine On You Crazy Diamond", aunque Nick Mason ha declarado que no esta del todo seguro si fue en la grabación de esta canción en particular en la que el hombre entró al estudio.[/n]

La banda no lo pudo reconocer por un tiempo, cuando de repente uno de ellos se dio cuenta de que era Syd Barrett. Para ese momento, Barrett había ganado mucho peso (cuando le preguntaron, él contestó: "He estado comiendo mucho, he comido muchas chuletas de cerdo") y había afeitado todo su pelo, incluso sus cejas, y su ausencia durante cinco años hizo que sus ex-compañeros se tomaran un tiempo en identificarlo.

Aparentemente, cuando tocaban "shine on You Crazy Diamond", Barrett se paró y dijo:

El tecladista Rick Wright dijo:

Cuando le preguntaron qué pensaba sobre Shine on You Crazy Diamond, Barrett dijo que sonaba "un poco vieja".

Él fue recibido con entusiasmo por la banda pero, posteriormente, se fue durante la improvisada fiesta por la boda de David Gilmour (que coincidió con ese día). Esa fue la última vez que el resto de la banda lo vio.

Por otro lado Rick Wright comentaría:


"Another Brick in the Wall" es el título de tres canciones del grupo británico de rock progresivo Pink Floyd, compuestas por el bajista de la banda Roger Waters. Las tres partes fueron incluidas en el álbum The Wall, lanzado en 1979. Está dividida en tres partes, Part I, Part II y Part III respectivamente y son fundamentales en el concepto del álbum, como lo marca la pared detrás de la cual se retira Pink, el personaje principal del álbum.

"Another Brick in the Wall (Part 1)" es la tercer canción del álbum, y la primera en mencionar la palabra "muro" que es fundamental para la historia del álbum. "El muro" ("the wall") es una metáfora sobre el recinto que el protagonista, Pink, construye alrededor de él para escapar de la realidad, la "pared de ladrillos" ("bricks in the wall"), representa cada uno de los traumas que Pink va experimentando a lo largo de su vida, lo que lo lleva a crear esta protección. Aquí, la frase "another brick in the wall" se refiere a la desaparición del padre de Pink.

"Another Brick in the Wall (Part 2)" es la quinta canción del álbum y es también la más famosa de las tres partes de "Another Brick in the Wall". Se publicó quince días antes que el álbum como un sencillo. La canción habla sobre las estrictas normas que había en las escuelas durante la década de 1950. La canción ocupa el puesto numero 11 en las canciones más exitosas de todos los tiempos segun cierto ranking de Mediatraffic.

"Another Brick in the Wall (Part 3)" es la duodécima canción en el álbum, y la penúltima del primer disco. La historia es el punto en que Pink decide quedarse fuera del "muro" y queda completamente aislado del mundo, esta parte lírica se extiende hasta la canción "Goodbye Cruel World".

En la adaptación cinematográfica del álbum The Wall, esta canción sirve de fondo a una especie de retrospectiva de la vida acelerada de Pink con escenas intercaladas de como gasta su tiempo la gente del muro. Se cierra con una sola visión del muro, enorme y amenazante en la oscuridad. No asimilaba aquello que decia Einstein que la estupidez humana es infinita.


"It's A Long Way To The Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)" es una canción de la banda australiana de hard rock AC/DC.

Es la primera canción de su álbum T.N.T., lanzado en diciembre de 1975 y fue escrita por Angus Young, Malcolm Young y Bon Scott. Musicalmente, la canción se destaca por la combinación de gaita con un sonido hard rock de guitarras eléctricas, batería y bajo. La letra habla sobre los peligros que atraviesa una banda para llegar a ser famosa.

Una versión ligeramente más corta de la canción es también la primera pista en la versión internacional de High Voltage, publicado en mayo de 1976 en Estados Unidos y Europa. Esta versión original fue remasterizada en 2003 en el lanzamiento del CD "High Voltage Remaster".

Esta canción también está en el CD del box set Bonfire, lanzado en 1997. El actual vocalista de AC/DC Brian Johnson no quiso llevar a cabo la canción, por respeto a su predecesor Bon Scott.


The End es una canción del grupo The Doors, último tema de su álbum debut homónimo The Doors.

Es una de las primeras canciones épicas de la banda, en la que Jim Morrison cuenta «una triste despedida». Acostumbraban a tocarla en sus presentaciones en bares y clubes nocturnos, donde siempre cambiaba la última estrofa de la canción. En una de sus presentaciones en el bar Whiskey a Go-Go, cambió la letra e hizo una especie de estrofa edípica que decía:

Father (Padre)
Yes, son (Sí, hijo)
I want to kill you (Quiero matarte)
Mother (Madre)
I want to fuck you (Quiero follarte)

Esto fue demasiado para el dueño del bar, que despidió a la banda de su puesto como residentes locales, pero en ese mismo instante el dueño de Elektra Records, que se encontraba en el local, les ofreció un contrato.


"A Saucerful of Secrets" es un instrumental multi-parte de Pink Floyd para el álbum del mismo nombre, lanzado en 1968. La canción dura 11 minutos con 52 segundos, en los cuales se aprecia música muy experimental, avant-garde con sonidos variados como lo son respuestas con aullidos, percusiones amenazantes y voces sin palabras.

Originalmente se le conocía como "The Massed Gadgets of Hercules" ("Los aparatos para las masas de Hercules") en sus interpretaciones iniciales, se hizo característica en las presentaciones en vivo desde 1968 hasta 1972. Esta versión se incluye en el álbum doble Ummagumma, y la que se incluye como video en el filme Live at Pompeii: Directors Cut es considerada la definitiva. En 1969, su cuarta etapa "Celestial Voices", fue incorporada en el concepto en directo The Man and the Journey como "The End of the Beginning" ("El fin del comienzo"). En el CD remasterizado del álbum, la canción se enlista como "A Saucerful of Secrets".

Roger Waters alguna vez mencionó en una entrevista para Rolling Stone que esta canción era sobre una batalla y sus secuelas posteriores. "Something else" ("Algo más") representa el planteamiento de la batalla, "Syncopated Pandemonium" ("Pandemonio psicopático") representa la batalla en sí, "Storm Signal" ("Señal de tormenta") representa la perspectiva de los muertos después de que la batalla ha terminado, y "Celestial Voices" ("Voces Celestiales") representa el llanto de los muertos.

Las interpretaciones en directo diferían significantemente de las de estudio. El sonido del címbalo cercano al micrófono que inicia la pieza fue en su lugar reemplazado por un zumbido de dos notas en el bajo. Para "Syncopated Pandemonium", Rick Wright tenía que conformarse con utilizar un órgano Farfisa en lugar del gran piano del estudio de grabación (siendo la versión de "Pompeii" una excepción notable). La sección de "Celestial Voices" empezaba con sólo el órgano como en la versión de estudio, pero gradualmente añadía batería, bajo, guitarra y voces sin palabras, hechas por David Gilmour. Esto guió a un fuerte clímax de la canción, que puede ser mejor apreciada por el aplauso entusiasmado del público al final de la versión de Ummagumma.


“When the levee breaks” no es original de Led Zeppelin, era de un viejo bluesman de los años 30. No importa, lo bueno de este grupo fue su instrumentación, su música tenía un sello propio.


Este disco esta basado en el libro "Rebelión en la Granja" de George Orwell el cual clasifica a las personas en Perros, Ovejas y Cerdos estos últimos lideres poderosos y malvados.

Los primeros son los grandes empresarios, que no dicen nada de corazón, son hipócritas, mentirosos y estan dispuestos hasta revolcarse en la basura con tal de tener más dinero.

El segundo cerdo, en este caso cerda es Margaret Tatcher, en ese entonces Primer Ministro de Inglaterra, aunque va dedicado a todos los líderes del mundo, que con tal de ser más poderosos y respetados no les importa causar guerras y sacrificar gente inocente.

Y el tercer cerdo al que se refieren es Mary Whitehouse quien era una dirigente pro censura, que en los inicios de Pink Floyd decía que la banda promovia las drogas y el sexo. Entonces Waters se referia a las personas que tratan de callarnos y privarnos de nuestra libertad, tratando de decirnos que debemos de hacer y pensar, (Intentando mantener nuestros sentimientos fuera de calle) como si fuera superior a nosotros.


"Maybe" cover hecho por Janis Joplin en uno de los conciertos que dio en Alemania en 1969.


«Ramble On» es una canción de la banda británica de rock Led Zeppelin, de su álbum de 1969 Led Zeppelin II. Fue co-escrita por Jimmy Page y Robert Plant, y grabada en 1969 en el Juggy Sound Studio de Nueva York, durante la segunda gira de la banda por los Estados Unidos.

Esta canción ha sido clasificada por la revista Rolling Stone en 2004 en el puesto 433 de su lista de de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Hasta 2007 «Ramble On» nunca había sido interpretada en directo íntegramente en ningún concierto de Led Zeppelin.1 Sin embargo, parte de la canción fue insertada por la banda en medio de su interpretación de «Babe I'm Gonna Leave You» durante el concierto de Toronto del 2 de noviembre de 1969, tal y como se puede oír en la grabación bootleg Listen to my Bluebird. La versión íntegra de la canción fue interpretada en el Ahmet Ertegün Tribute Concert del 10 de diciembre de 2007, en el O2 Arena de Londres.


Sunshine of your love, canción de la banda de rock británica, Cream, y lanzada en su disco Disraeli Gears. Fue el single más comercial y vendido de Cream, y de su disquera en ese momento, Atlantic Records. Fue escrita por Eric Clapton, Jack Bruce y Pete Brown.

Su creación comienza en enero de 1967, cuando Bruce y Eric Clapton asisten a un concierto de Jimi Hendrix en Saville Theatre ubicado en Londres. Bruce regresaba a su hogar y escribió el riff de guitarra que hoy en día se escucha en la versión oficial. Las letras fueron compuestas en una sesión (la cual duró toda una noche), entre Bruce y Brown. El estribillo fue escrito posteriormente por Clapton.


Whitte Rabbit es una canción de Jefferson Airplane, pertenece a los primeros coletazos del rock psicodélico.

Fue publicada en el álbum Surrealistic Pillow de 1967, que fue uno de los discos que marcó el Verano del amor; el single de esta canción llegó al puesto número 4 de las listas de Estados Unidos, y está incluida en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos que confeccionó la revista Rolling Stone en 2004, en el puesto número 478. Fue escrita por su vocalista Grace Slick para su banda The Great Society en 1966, pero la introdujo en el repertorio de su nueva banda cuando cambió en octubre de este mismo año.

Esta canción fue una de sus primeras canciones: la escribió entre 1965 y 1966. En esta canción describe los paralelismos entre Alicia y el País de las Maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí de Lewis Carroll, con los efectos del LSD, con el cual había experimentado: así, menciona al personaje que da título a la canción, la oruga que fuma, la persecución del conejo blanco, comer setas para hacer cambiar de opinión, el cambio de tamaño producido por comer dulces y beber bebidas o la Reina Roja.

Esta idea no es nueva, ya que dentro del rock psicodélico había una corriente por esta época que afirmaba que Lewis Carrol intentó en su obra describir los efectos de las drogas alucinógenas en las personas de forma metafórica, describiendo cómo una niña se introduce en un mundo mágico.

Como ella misma explicó, este libro, entre otros, era una forma de mostrar a los padres que había que ser tolerantes con las drogas, ya que ayudan entre otras cosas a mejorar la visión que tenemos del mundo y de la realidad, haciéndonos ver cosas que de otra forma no veríamos o no llegaríamos a comprender. Además, durante la década de los años 60 el consumo de drogas era un requisito para la pertenencia a un grupo: por ejemplo, uno de los rituales con los cuales alguien pasaba a ser aceptado como hippie era experimentar con LSD.

Por su referencia implícita a las drogas (era una de las primeras canciones que se atrevía a mencionarlas, aunque de forma oscura) llegó a ser censurada en la radio estadunidense. Marty Balin, que era su rival dentro del grupo, dijo que consideraba esta canción como una obra maestra, esta opinión se puede encontrar en el sitio web del grupo.

Musicalmente, la canción tiene un crescendo similar al del Bolero de Ravel, combinado con distorsiones sensoriales, y en el tempo de la canción, que imitan los efectos de drogas psicodélicas como el LSD y el peyote. El ritmo básico de la canción fue utilizado más tarde por artistas como Madonna, Collide, Emiliana Torrini o Grace Potter And The Nocturnals.


"Hey You" (del inglés, "Ey tú!") es una canción de Pink Floyd. Aparece en el álbumThe Wall de 1979. Es la primera canción del segundo disco del álbum doble. La canción fue excluida de la película por miedo de parte de los creadores de que dure mucho; por otro lado, una versión áspera está disponible en la 25th Anniversary Edition en DVD.

La canción comienza con la guitarra acústica de Gilmour en la escala de Mi menor en un volumen bajo. A los diez segundos se une el bajo de Waters y dos versos después se une la voz de Gilmour a los versos (todo esto en un ritmo lento). Luego de una estrofa se une la batería de Mason y un verso después se entra a un interludio con Gilmour improvisando sobre Mi menor y yendo cada vez más arriba hasta frenar y empieza otro interludio con guitarra acústica y voz de Waters de forma predominante. Luego de esto se vuelve a una parte similar al principio de la canción, lo sigue un estribillo y la canción termina al grito de Waters de "Together we stand, divided we fall." (del inglés, "juntos: seguimos en pie, separados: caemos."), con eco repitiendo "we fall, we fall".


"Thank You" es el cuarto tema del disco Led Zeppelin II del grupo Led Zeppelin, escrito por Robert Plant y Jimmy Page y editado en el año 1969. Es una balada lenta que marcó una implicación más profunda de Plant en la composición de canciones, siendo ésta la primera canción cuya letra fue escrita íntegramente por él, si bien las primeras líneas guardan cierta semejanza con "If 6 was 9", de Jimi Hendrix, "If the sun refuse to shine, I don't mind/if mountains fell in the sea, let it be, it ain't me". Fue dedicada a su esposa, Maureen.
Destaca la delicadeza del órgano tocado por John Paul Jones.

"Thank You" fue una canción especialmente popular en conciertos en vivo, y permitió cierto espacio al trabajo de Jones en teclado. Un ejemplo de ello se hace presente en las Led Zeppelin BBC Sessions, que captura una versión tocada en el Paris Theatre, en Londres en 1971.

En 1992, Robert Plant cantó una parte de "Thank You" antes de combinarla con "Crazy Little Thing Called Love" de Queen, en el Concierto en Tributo a Freddie Mercury.

Page y Plant revivieron la canción en 1994 en su gira No Quarted Unledded. En ella interpretaron versiones más suaves de sus shows de 1995 a 1998.

Tori Amos ha interpretado, cantado y grabado, esta canción a piano. El grupo inglés Duran Duran también realizó una versión de este tema.


El nombre Brain Damage lo dio Roger Waters dedicado a Syd barret cuando se volvió loco a causa del excesivo consumo de drogas y aparte de eso también lo dio cuando Roger Waters estaba convencido que se estaba completamente loco...

ECLIPSE: La canción es a menudo erróneamente denominado "Dark Side of the Moon" junto con "Brain Damage", porque la carrera dos juntos y suelen jugar juntos en la radio, dando la impresión de que son una canción. El título incorrecto se deriva de una letra se repite en "Brain Damage" ("Te veré en el lado oscuro de la luna") y el título del álbum.


Inicialmente, para "Sabbath Bloody Sabbath", la banda se encerró en el estudio intentando componer los temas que formarían parte del álbum. Sin embargo, el demacrado estado provocado por la adicción a drogas y sustancias psicotrópicas había hecho mella en los componentes del grupo. La situación llegó a tal punto que Tony Iommi (guitarra y compositor) era incapaz de componer una sola nota nueva, ni un solo riff. Para remedio de la situación el grupo entero decide encerrarse en un castillo en Gales (Reino Unido) para inspirarse. Fruto de esas sesiones nacen los temas de "Sabbath Bloody Sabbath".


"Immigrant Song" es la primera canción del tercer álbum de la banda Led Zeppelin, Led Zeppelin III, editado en 1970.

"Immigrant Song" está dedicada a Leif Ericson. Es cantada desde la perspectiva de los vikingos remando al oeste de Escandinavia en búsqueda de nuevas tierras. Su ritmo regular evoca la determinación de los exploradores y sus remos golpeando el agua, y la letra hace explícita referencia a las conquistas vikingas y la antigua religión de los nórdicos (To fight the horde, and sing and cry / Valhalla, I am coming).

La línea "The hammer of the gods will drive our ships to new lands" incitó a muchos a empezar a referirse a la música de Led Zeppelin como el "Martillo de los Dioses" (the Hammer of the Gods). La frase fue usada como el título de la famosa biografía de la banda por Stephen Davis, Hammer of the Gods: The Led Zeppelin Saga.

"Immigrant Song" fue usada para abrir conciertos de Led Zeppelin de 1970 a 1972. Versiones en vivo de esta canción se encuentran en los álbumes de Led Zeppelin How The West Was Won y las Led Zeppelin BBC Sessions. En vivo, Page toca un solo no incluido en la versión grabada.

La canción es, además, una de las pocas de Led Zeppelin con licencia para una película. Para la película del año 2003, School of Rock, el actor Jack Black se filmó a sí mismo en escenario, junto a miles de fans, rogando a Led Zeppelin permiso para usar "Immigrant Song". También ha aparecido en el documental de 1999 sobre la Masacre de Múnich, One Day in September, los trailers de la serie de drama de BBC1 Life on Mars, y también es usada en la película del año 2007, Shrek the Third.